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1，十全十美宫廷画漂不漂亮挂卧室怎么样

有的很漂亮，挂客厅蛮漂亮的。

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2，北宋宫廷画被称为

查阅北宋史料和画的史料可知又被称为院体画，宫廷绘画带有明显的贵族美术的特色，既精密不苟，又在某些作品中有萎靡柔媚的趣味。画院集中了社会上的优秀画家，体现了时较高的水平，创作出如郭熙的《早春图》、《关山春雪图》，张择端的《清明上河图》、《西湖争标图》，王希孟的《千里江山图》，李唐的《采薇图》、《万壑松风图》，马远的《踏歌图》、《水图》等一大批成功的作品。[1]

北宋宫廷画被称为

3，中国古代宫廷人物画的最高水平代表作

顾恺之的《晋帝相列像》、《司马宣王并魏二太子像》顾恺之（348年— 409年），字长康，小字虎头，汉族，晋陵无锡人。杰出画家、绘画理论家、诗人。 顾恺之博学多才，擅诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。
同问。。。

中国古代宫廷人物画的最高水平代表作

4，宫廷画呈现出雍容华贵吉祥富丽堂皇的特点

宫廷画呈现出雍容华贵吉祥富丽堂皇的特点是正确的。这是岳麓版高中历史必修三第八课《笔墨丹青》的课堂测试题。补充资料：宫廷画：宫廷绘画是指为封建帝王服务的绘画创作，它是宫廷文化的重要组成部分。宫廷特设绘画机构始于五代，即翰林图画院。北宋的翰林图画院盛况达到空前。金、元时期的宫廷绘画机构相对分散，各司其职。明代的宫廷画家分别在武英、仁智等殿供职，清代宫廷绘画机构则以如意馆为主。中国画的精致辉煌是在宋代，由皇上引领着笔墨的审美潮充，以科举为动力，以“画学”为基础，以文学作品为创作题材，这是中国画传统笔墨形式以及文化内涵是最值得称道的时期。两宋是中国美术史上宫廷绘画的鼎盛时期，画院规模宏大，建制齐备，创作力量雄厚。在创作指向上，宫廷艺术的政治教化越来越少，以玩赏性的山水、花鸟画占了主角，这一方面是深层的文化转换导致，而另一方面作为国君的宋朝皇室的身体力行，形成上行下效的创作活动也起着不小的作用。代表北宋最重要的官方编撰美学著作《宣和画谱》虽然依然把道释、人物置于卷首，但数量和中心都转向了山水的消逸隐遁、花鸟的赏心悦目。邓椿《画继》更是指出“近世画手，少作故事人物，颇失古人规鉴之意。”

5，现代还有宫廷画派吗

宫廷画派。清代帝王中虽有几人崇尚绘画，但未开设画院，仅设有内廷供奉之职。许多画家被诏入宫中任职，专为帝王作画。他们所画的作品多署“臣”字款。一般按照皇帝的意图以及宫廷中的装饰作画，其中著名的画家有：人物画家：顾贝龙、冷枚、焦秉员、陈枚、丁观鹏、金廷标、华冠、周鵾、沈振麟。花鸟画家：杨大章、邹一桂、蒋廷锡、张若霭、徐扬、李秉德、阮玉芬、周安节、余省、缪嘉惠等。山水画家：唐岱、王敬铭、张宗巷、陈善、孙佑、袁瑛、钱维城、董邦达、方琮、冯宁等。现代画家：爱新觉罗?溥佐，周金山，爱新觉罗?毓峋

6，宫廷画的特点有什么

宫廷画的特点如下：1、宫廷绘画从感觉上显得非常贵气。2、宫廷绘画做工比较精致。3、宫廷绘画具有很强的美感,视觉上好看。4、宫廷绘画一般是不惜本钱的,会做到极致。至元代，由于文人画家供职于宫中，渐渐将儒雅纵逸的文人画风带进内廷，给宫廷绘画艺术的审美意趣增添了一些个性化的笔墨。 画人主要分为三类，一是民间画工，二是宫廷画人，三是文人画家。两宋前的画坛，主要是民间画工与宫廷画人的天下，虽然在此前出现过卫协、顾恺之等文人画家，但他们的作品在表现形式与风格上是格法严谨的。宫廷画的概念释义宫廷绘画，广义地说，是指围绕着封建帝王生活、行政而进行的绘画创作，以宫廷画家的创作为主体，亦包括帝王、后妃的画作，以及朝臣和地方官员向宫廷进献的画作。皇帝是宫廷绘画的组织者。宫廷绘画服务于皇家的政治纪实、军事记事、文化娱乐等宫廷活动，反映了皇家的审美意识，是历代杰出艺术家绘画才智的集中体现。宫廷绘画除有一般的人物、山水、花鸟等题材外，还有许多表现宫廷生活、仪礼，外交、军事等的特殊内容，因此，宫廷绘画的题材较之宫廷以外的绘画更为广泛。出于表现纪实场景的需求和满足皇家工整精丽的审美要求，宫廷绘画以工笔设色的写实风格为主，以在北宋徽宗朝和清代乾隆朝最为盛行。

7，宫廷古典油画有哪些作者

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油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技法有：　　① 透明覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。　　② 不透明覆色法，也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。　　③ 不透明一次着色法，也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。　　作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。

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